Francouzské umění 1870-1925

Výstava Francouzské umění 1870-1925 představuje mistrovská díla a skryté poklady z vlastní sbírky Glyptotéky.

Objevte výběr z prestižní sbírky děl Paula Gauguina v Glyptotéce. Nebo se ponořte do mnoha dalších klíčových děl některých z nejdůležitějších umělců té doby, jako jsou Paul Cézanne, Edgar Degas, Vincent van Gogh, Claude Monet a Berthe Morisot.

Prostřednictvím zejména olejomalby, ale také pastelů a menších soch z mramoru, bronzu a keramiky, výstava vykresluje bohatý příběh umění tohoto období, plný rozmanitosti, intenzity a vynalézavosti.

V roce 1874 se skupina pařížských umělců rozhodla vystavit svá díla společně na protest proti odmítnutí z oficiálního výstavního prostoru, Salonu.

Skupina se později jmenovala ‚impresionisté‘ a zahrnovala umělce jako Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro a Pierre-Auguste Renoir.

Společně reprezentovali zcela nový druh malby, kde světlo a barva se staly nosnými prvky. Často pracovali v plenéru, což jim dávalo nejlepší příležitosti k pozorování prchavého světla, barvy a pohybu daného okamžiku, ať už to byla krajina nebo rušný život velkoměsta, co mělo být ztvárněno.

Styl se vyznačoval vibrujícími, nemíchanými barevnými pigmenty v silných vrstvách a netradičními výřezy.

V Evropě 80. a 90. let 19. století vznikl zmatek uměleckých směrů v dialogu s impresionisty a v opozici vůči nim.

Malba už neměla být zrcadlem viděného světa a jeho jevů. Měla se stát samostatným uměleckým žánrem s vlastními a zvláštními vyjadřovacími možnostmi. Edgar Degas – a později Paul Gauguin – se zaměřovali na to, aby umění bylo něco víc než jen zobrazení pozorovaného.

Expresivní použití barev a olejových barev Vincenta van Gogha učinilo malbu dramatickou až do krajnosti, zatímco Paul Cézanne přistupoval k dílu více intelektuálně a zpochybňoval plochu a objem malby. Pierre Bonnard maloval intimní interiérové scény s odvážnými kompozicemi, zatímco Henri de Toulouse-Lautrec a Pablo Picasso portrétovali moderní městský život.

Evropská malba se ubírala mnoha novými směry a byla vstřícně přijata rychle se měnícím uměleckým trhem, kde konzervativní výstavní forum Salon v Paříži již nemělo monopol na trh ani na dobrý vkus.

Při smrti Edgara Degase bylo v jeho ateliéru nalezeno více než 150 voskových figurín. Kromě sochy Malá čtrnáctiletá tanečnice nebyly tyto voskové figuríny nikdy zamýšleny jako umělecká díla. Byly to spíše cvičební kousky, které Degas používal ke studiu pohybu, rovnováhy a proporcí těla.

72 figurín bylo odlitých do bronzu potomky umělce a Glyptotéka je jedním z mála muzeí na světě, které vlastní kompletní sbírku.

Na výstavě si můžete prohlédnout výběr Degasových balancujících balerín, žen při toaletě a koní v trysku nebo odpočinku.

Od roku 1949 je socha Edgara Degase Malá čtrnáctiletá tanečnice součástí francouzské sbírky Glyptotéky. Socha byla původně vyrobena z malovaného vosku a vystavena s tylovou sukní kolem pasu, pravými lidskými vlasy, hedvábnými stuhami, botami z lnu a bavlněným živůtkem. Teprve po Degasově smrti byla odlita do bronzu.

Donedávna měla tanečnice starou vybledlou sukni kolem pasu, která byla nakonec tak křehká, že musela být vyměněna. Na světě existuje 25 verzí tanečnice a při srovnání sukní jsou velmi odlišné.

Muzeum se rozhodlo zrekonstruovat svou verzi sukně na základě dostupných informací o vzhledu sukně, když ji Degas vystavil na šesté impresionistické výstavě v roce 1881.

Na výstavě si můžete prohlédnout novou sukni tanečnice a nahlédnout do procesu konzervace a výzkumu, který za ní stojí.

Glyptotéka přidala do své Gauguinovy sbírky vzácné dílo: ručně kolorovaný litografie, z něhož existují na světě pouze dva exempláře. Jedná se o první grafické dílo francouzského umělce v muzeu. Za motivem – pracující černé ženy na Martiniku – se skrývá příběh francouzské koloniální nadvlády a romantizovaný pohled na poměry v koloniální době.

Získáním díla Kobylky a mravenci – vzpomínka na Martinik (1889) otevírá Glyptotéka novou kapitolu ve své Gauguinově sbírce, která je jednou z nejvýznamnějších na světě. Sbírka dosud sestávala z téměř 60 děl rozdělených na malby, keramiku, dřevořezby a kresby, ale žádnou grafiku. Nové dílo tak představuje méně známou stránku praxe Paula Gauguina (1848-1903).

Dílo je zkušebním tiskem z Gauguinovy první a jediné grafické série, Volpini Suite. Série značí zlom v umělcově kariéře, kdy rozvíjí svůj charakteristický styl: bez stínů, dekorativní a s odvážnými výřezy a jasnými konturami. Dílo je důležité pro prezentaci a zprostředkování Gauguinova umění v Glyptotéce a ukazuje umělcovu širokou škálu. Bude také východiskem pro nový výzkum umělce a období.

Idylizovaný kolonialismus Kobylky a mravenci – vzpomínka na Martinik bylo vytvořeno s inspirací z Gauguinova pobytu na bývalé francouzské kolonii Martinik v roce 1887, kde pracoval jako dozorce na ovocné plantáži. Ačkoli bylo otroctví zrušeno, mnoho místních obyvatel nadále pracovalo v těžkých podmínkách – a právě pracující ženy jsou zobrazeny v tomto díle.

Název odkazuje na Ezopovu bajku o kobylce, která zpívá a tančí celé léto, zatímco mravenci pilně shromažďují zásoby na zimu. Gauguin ji mohl použít jako rámec pro inscenování žen: pracující jako mravenci, odpočívající jako kobylky – ale všechny jako součást romantizovaného zobrazení.

Nové dílo si můžete prohlédnout na výstavě Gauguin a Kihara – První dojmy.

Dílo bylo získáno s velkorysou podporou Aage a Johanne Louis-Hansens Fond, Augustinus Fonden a Ny Carlsbergfondet.