Colección ARoS: Arte de instalación

En el Nivel 0 encontrará una "galería en progreso" reservada para el arte de luz, vídeo e instalaciones internacionales.

Estar en las instalaciones del dúo de artistas estadounidenses Jonah Freeman (nacido en 1975, Santa Fe, EE. UU.) y Justin Lowe (nacido en 1976, Dayton, EE. UU.) es como entrar en un set de filmación donde el equipo de filmación se ha ido y las cámaras están apagadas. Desde 2008, el dúo ha estado trabajando en una serie de narrativas históricas y ficticias diferentes en sus grandes, laberínticas y arquitectónicas instalaciones.

En las obras de Freeman y Lowe se explora la dinámica entre una sociedad y su contracultura. Las obras nos confrontan tanto física como intelectualmente.

Una narrativa recurrente en la instalación Colony Howl trata sobre la ciudad ficticia llamada “San San”. La ciudad es conocida por el relato literario de ciencia ficción The Year 2000, que el futurista Herman Kahn escribió en 1967. Aquí Kahn imaginó que las ciudades a lo largo de la costa oeste estadounidense, desde San Diego hasta San Francisco, crecerían juntas y formarían un único y gigantesco complejo urbano. Llamó a esta área “San San”.

La instalación Storm Room es una réplica fiel de una consulta dental deteriorada y abandonada en Japón. Desde fuera, la obra parece una gran caja de madera, pero al entrar, durante los diez minutos que dura la obra, se experimenta una furiosa tormenta con lluvia, relámpagos y truenos. Al principio la lluvia cae suavemente, pero luego la tormenta se desata. Cae un rayo y se oye un estruendo. Cuando la tormenta finalmente amaina y la lluvia cesa lentamente, se oye a alguien revolviendo en la habitación de al lado.

Con esta obra, los artistas intentan subvertir nuestra percepción de lo que es realidad y ficción.

Uno de los artistas más destacados que ha trabajado con una expresión espacial y abierta desde la década de 1960 es el artista lumínico estadounidense James Turrell (nacido en 1943). La obra lumínica Milkrun III se compone de luz artificial. Al final de un pasillo, el espectador se encuentra con un campo de luz roja incandescente. El color rojo es interrumpido por una luz azul y amarilla que se incrusta como grietas en la superficie, creando así una tridimensionalidad en la luz opalina y difusa. El campo de color luminoso no crea un efecto espectacular, sino una dramaturgia más bien reflexiva y atenuada. El encuentro con la obra es un proceso de purificación, donde no se piensa en imágenes o palabras, sino simplemente se siente.

Las horas del amanecer en la casa del vecino es una videoinstalación que escenifica uno de los acontecimientos banales, pero mágicos, de la vida cotidiana: el amanecer. Pipilotti Rist ha establecido una sala de estar (la del vecino) con muebles, papel pintado, estanterías y una ventana con plantas en macetas. Las 24 horas del día se reducen a 8 minutos durante los cuales la sala de estar se ilumina desde el balcón. Por la noche, se enciende la televisión con imágenes de vídeo grabadas por la propia Pipilotti Rist. Las imágenes de vídeo, el sonido y la luz crean así diferentes atmósferas, donde la conciencia humana se equilibra al borde entre un estado de sueño y de vigilia.

Pipilotti Rist combina objetos con la imagen en movimiento, creando un espacio poético, imaginativo e íntimo que parte de un universo privado y doméstico. Pero hay un giro. Hay algo inquietante y desconocido en la habitación del vecino, una distancia que se subraya por el hecho de que la artista ha creado una domesticidad en un espacio tan antinatural y extraño como el museo de arte. Y aunque la luz artificial se perciba como real y la luz, en la medida en que crea una atmósfera creíble de amanecer, el espacio permanece extraño y la seguridad falsa.

La obra aparece a primera vista como una habitación vacía y blanca que, al cruzar el umbral, pone patas arriba nuestras expectativas de oscuridad en los largos pasillos. Sin embargo, lo que a primera vista parece ser un cubo blanco típico, en un sentido literal, va más allá del ideal modernista de blancura. Eliasson ha construido un conjunto adicional de paredes en la galería, situadas a 60-100 cm de las paredes portantes, con lo que se reduce el espacio blanco. Mirillas y puertas desvían la atención de la habitación vacía hacia otras experiencias de obras, situadas en los nuevos espacios intermedios. Espejos instalados en el suelo, el techo y los laterales multiplican de forma caleidoscópica al espectador y sus movimientos en los espacios infinitos.

La infinidad no es una magnitud unívoca; los cuatro espacios intermedios tienen cada uno su propia peculiaridad, que marca la experiencia del observador de lo que se presenta, por un lado, como miradas infinitas a la arquitectura, y por otro, como una cantidad infinita de perspectivas sobre el propio observador. Eliasson aquí lleva al límite la relación entre observador, espacio y obra, al hacer que las situaciones espaciales dependan del compromiso (físico) del observador.

La obra une espiritualidad con cibertecnología de manera sublime y relevante. Tom Na H-Iu era el nombre que los antiguos celtas daban al lugar donde las almas de los hombres se asentaban antes de renacer. Para los celtas, Tom Na H-Iu tomaba la forma de una alta estela, que era una de las cosas más sagradas, y a la que los celtas peregrinaban como lugar de culto. Mariko Mori ha recreado esta estela en vidrio esmerilado. Mediante la tecnología informática, la obra se convierte en un lugar de encuentro concreto entre la vida y la muerte, la tierra y el cielo.

La escultura de vidrio contiene una fuente de luz LED controlada por ordenador, que cambia de color cada vez que una estrella muere y cuando los cuerpos celestes llamados neutrinos, que son partículas elementales creadas por una fusión entre el sol y la estrella, se mueven en el espacio. A través de internet, la obra está conectada a un superordenador en el observatorio Super Kamiokande de la Universidad de Tokio. Este ordenador rastrea los neutrinos y sus movimientos se traducen en colores cambiantes. Cuando una estrella muere, se produce una explosión de color en la escultura. Así, la obra interactúa continuamente con el universo de la manera más poética.