¡No tocar!

¿Cómo se pueden «palpar» las texturas de color con los ojos? ¿Es la superficie del cuadro realmente rugosa o solo lo parece? Esta exposición está dedicada a la experiencia sensorial de las imágenes, completamente sin contacto físico. Las obras impresionan no solo por su presencia visual, sino también por la forma en que sus materiales estimulan la imaginación. Abren una nueva dimensión de percepción, donde no se trata solo de ver, sino también de explorar mentalmente los materiales y la técnica.

En el siglo XX, el arte experimenta un cambio significativo: los artistas recurren cada vez más a materiales cotidianos. Además de la costosa pintura al óleo, el pan de oro o el fresco, textiles, papel maché, trozos de madera o látex entran en la práctica artística. Lo valioso, lo aurático y lo duradero –cualidades centrales del arte durante mucho tiempo– empiezan a tambalearse. Este desarrollo lleva a una reevaluación fundamental de la materialidad y a la ampliación del cuadro de caballete clásico.

Adolf Frohner experimenta tempranamente con ampliaciones de imágenes tipo collage y a partir de ellas desarrolla sus «cuadros de materiales». La obra expuesta en el Forum Frohner de 1960 lleva conscientemente este título.

Rudolf Polanszky lleva este procedimiento al extremo. Desde la década de 1990, prefiere utilizar materiales industriales: plexiglás y acrílico, aluminio, lámina de espejo o cartón. Los despoja de su función original y los une con resina sintética, silicona, alambre, pintura o pigmentos para crear nuevas estructuras y ensamblajes. Se producen superficies desde brillantes hasta mates o reflectantes, con texturas y efectos complejos. Su grupo central de obras «Reconstructions» abre un campo visual que invita a los espectadores a sumergirse en la materialidad, explorar sus huellas y superficies y reflexionar sobre el espacio, la funcionalidad y el significado.

Jakob Gasteiger utiliza el color como material plástico y escultórico. Lo aplica en capas gruesas sobre el lienzo con una espátula dentada. El color mismo se convierte en espacio, en superficie, en objeto. Las estructuras en relieve se pueden «sentir» con los ojos.

La exposición presenta una cuidada selección de obras cuya combinación de materiales despierta el deseo de tocarlas, pero eso es precisamente lo que está prohibido en el museo. Los artistas juegan con el efecto de la superficie y la ilusión. Amplían el cuadro de caballete tradicional y la fotografía a través de diferentes materiales o una ilusión hiperrealista. A diferencia de la exposición de primavera en el Forum Frohner, las obras de arte en esta muestra no se pueden tocar.

Los museos y las salas de exposiciones conservan arte y bienes culturales, investigan su significado y los hacen accesibles a todos. Cualquier contacto con pinturas, documentos, fotos, objetos, etc., puede causar daños por huellas dactilares, humedad o abrasión. El «no tocar» es una medida para proteger objetos valiosos, sensibles e históricamente importantes para las generaciones futuras.

Artistas: Bettina Beranek, Max Böhme, Tone Fink, Adolf Frohner, Jakob Gasteiger, Rudolf Goessl, Rudolf Polanszky, Wolfgang Raffesberg, Clemens Wolf

Comisaria: Elisabeth Voggeneder