¡No tocar!

¿Cómo se pueden „palpar“ las texturas de color con los ojos? ¿Es la superficie del cuadro realmente rugosa – o solo engaña? Esta exposición se dedica a la experiencia sensorial de las imágenes, completamente sin contacto físico. Las obras impresionan no solo por su presencia visual, sino también por la forma en que sus materiales estimulan la imaginación. Abren una nueva dimensión de la percepción, en la que no solo se trata de ver, sino también de explorar mentalmente los materiales y la técnica.

En el siglo XX, el arte experimenta un cambio significativo: los artistas recurren cada vez más a materiales cotidianos. Además de la costosa pintura al óleo, el pan de oro o el fresco, los textiles, el papel maché, los trozos de madera o el látex entran en la práctica artística. Lo valioso, lo aurático y lo duradero –cualidades centrales del arte durante mucho tiempo– empiezan a tambalearse. Este desarrollo conduce a una reevaluación fundamental de la materialidad y a la expansión del cuadro de caballete clásico.

Adolf Frohner experimentó tempranamente con ampliaciones de cuadros a modo de collage y a partir de ellas desarrolló sus „cuadros de material“. La obra de 1960 expuesta en el Forum Frohner lleva este título conscientemente.

Rudolf Polansky lleva este procedimiento al extremo. Desde la década de 1990, utiliza preferentemente materiales industriales: plexiglás y acrílico, aluminio, láminas de espejo o cartón. Les quita su finalidad original y los ensambla con resina sintética, silicona, alambre, pintura o pigmentos para crear nuevas estructuras y ensamblajes. Se crean superficies desde brillantes hasta mates y espejadas, con texturas y efectos complejos. Su grupo de obras central „Reconstructions“ abre un campo visual que invita a los espectadores a sumergirse en la materialidad, a explorar sus huellas y superficies y a reflexionar sobre el espacio, la funcionalidad y el significado.

Jakob Gasteiger utiliza el color como material plástico y escultórico. Con una espátula dentada lo aplica en capas gruesas sobre el lienzo. El color mismo se convierte en espacio, en superficie, en objeto. Las estructuras en relieve pueden „sentirse“ con los ojos.

La exposición presenta una cuidada selección de obras cuya combinación de materiales despierta el deseo de tocarlas – pero es precisamente eso lo que está prohibido en el museo. Los artistas juegan con el efecto de la superficie y la ilusión. Amplían el cuadro tradicional y la fotografía mediante diferentes materiales o el engaño hiperrealista. A diferencia de la exposición de primavera en el Forum Frohner, las obras de arte en esta muestra no pueden tocarse.

Museos y salas de exposiciones conservan el arte y los bienes culturales, investigan su significado y los hacen accesibles a todos. Cualquier contacto con pinturas, documentos, fotografías, objetos, etc. puede causar daños por huellas dactilares, humedad o abrasión. El „no tocar“ es una medida para proteger objetos valiosos, sensibles e históricamente importantes para las generaciones futuras.

Artistas: Bettina Beranek, Max Boehme, Tone Fink, Adolf Frohner, Jakob Gasteiger, Rudolf Goessl, Rudolf Polanszky, Wolfgang Raffesberg, Clemens Wolf

Comisaria: Elisabeth Voggeneder