Arte francés 1870-1925

La exposición Arte francés 1870-1925 presenta obras maestras y joyas ocultas de la propia colección de la Glyptotek.

Explore una selección de la prestigiosa colección de obras de Paul Gauguin de la Glyptotek. O profundice en una gran cantidad de otras obras clave de algunos de los artistas más importantes del período, como Paul Cézanne, Edgar Degas, Vincent van Gogh, Claude Monet y Berthe Morisot.

A través principalmente de la pintura al óleo, pero también del pastel y la pequeña escultura en mármol, bronce y cerámica, la exposición traza una narración saturada del arte del período, rica en variación, intensidad e ingenio.

En 1874, un grupo de artistas parisinos decidió exponer sus obras juntos en protesta contra el rechazo del lugar de exposición oficial, el Salón.

El grupo recibió más tarde el nombre de 'impresionistas' e incluía a artistas como Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro y Pierre-Auguste Renoir.

Juntos representaron una pintura completamente nueva, donde la luz y el color se convirtieron en los elementos principales. A menudo trabajaban al aire libre, lo que les brindaba las mejores oportunidades para observar la luz, el color y el movimiento fugaces del momento, ya fuera un paisaje o la bulliciosa vida de la gran ciudad lo que debía representarse.

El estilo se caracterizó por pigmentos de color vibrantes, sin mezclar, en capas gruesas y recortes poco convencionales.

En la Europa de las décadas de 1880 y 1890, surgió un torbellino de direcciones artísticas en diálogo con los impresionistas y en oposición a ellos.

La pintura ya no debía ser un reflejo del mundo visto y sus fenómenos. Debía convertirse en una forma de arte independiente con sus propias y especiales posibilidades de expresión. Edgar Degas –y más tarde Paul Gauguin– se preocuparon por hacer del arte algo más que una representación de lo observado.

El uso expresivo del color y la pintura al óleo de Vincent van Gogh llevó la pintura a un dramatismo extremo, mientras que Paul Cézanne abordó la obra de forma más intelectual y desafió la superficie y el volumen de la pintura. Pierre Bonnard pintó escenas íntimas de interiores con recortes atrevidos, mientras que Henri de Toulouse-Lautrec y Pablo Picasso retrataron la vida moderna de la gran ciudad.

La pintura europea tomó muchas nuevas direcciones y fue recibida por un mercado del arte en rápida transformación, donde el conservador foro de exposiciones del Salón de París ya no tenía el monopolio del mercado ni del buen gusto.

A la muerte de Edgar Degas, se encontraron más de 150 figuras de cera en su estudio. Excepto la escultura Pequeña bailarina de catorce años, estas figuras de cera nunca fueron concebidas como obras de arte. Eran, por el contrario, piezas de estudio que Degas utilizaba para investigar el movimiento, el equilibrio y las proporciones del cuerpo.

72 de las figuras fueron fundidas en bronce por los descendientes del artista, y la Glyptotek es uno de los pocos museos del mundo que posee la colección completa.

En la exposición se puede experimentar una selección de las bailarinas equilibradas de Degas, mujeres en su tocador y caballos al galope o en reposo.

Desde 1949, la escultura de Edgar Degas Pequeña bailarina de catorce años forma parte de la colección francesa de la Glyptotek. La escultura fue originalmente hecha de cera pintada y expuesta con una falda de tul alrededor de la cintura, cabello humano real, cintas de seda, zapatos de lino y un corpiño de algodón. Solo después de la muerte de Degas fue fundida en bronce.

Hasta hace poco, la bailarina lucía una falda vieja y descolorida alrededor de la cintura, que con el tiempo se volvió tan frágil que tuvo que ser reemplazada. Existen 25 versiones de la bailarina en el mundo, y al comparar las faldas, son muy diferentes.

El museo ha decidido reconstruir su versión de la falda basándose en el conocimiento existente sobre el aspecto de la falda cuando Degas la expuso en la sexta exposición impresionista en 1881.

En la exposición, podrá ver la nueva falda de la bailarina y conocer de cerca el proceso de conservación y la investigación que hay detrás.

La Glyptotek ha añadido una obra rara a su colección de Gauguin: una litografía coloreada a mano, de la que solo existen dos ejemplares en el mundo. Es la primera obra gráfica del artista francés en el museo. Detrás del motivo –mujeres negras trabajando en Martinica– se esconde una historia de la dominación colonial francesa y una mirada romantizada a las condiciones de la época colonial.

Con la adquisición de la obra Las langostas y las hormigas – recuerdo de Martinica (1889), la Glyptotek abre un nuevo capítulo en su colección de Gauguin, que es una de las más importantes del mundo. La colección hasta ahora ha consistido en casi 60 obras divididas en pintura, cerámica, tallas de madera y dibujos, pero no grabados. La nueva obra representa, por lo tanto, una faceta menos conocida de la práctica de Paul Gauguin (1848-1903).

La obra es una prueba de impresión de la primera y única serie gráfica de Gauguin, la Suite Volpini. La serie marca un punto de inflexión en la carrera del artista, donde desarrolla su estilo característico: sin sombras, decorativo y con recortes atrevidos y contornos claros. La obra es importante para la presentación y difusión del arte de Gauguin en la Glyptotek y muestra la gran amplitud del artista. También servirá como punto de partida para nuevas investigaciones sobre el artista y el período.

Colonialismo idealizado Las langostas y las hormigas – recuerdo de Martinica fue creada inspirada en la estancia de Gauguin en la antigua colonia francesa de Martinica en 1887, donde trabajó como supervisor en una plantación de frutas. Aunque la esclavitud había sido abolida, muchos lugareños continuaron trabajando en condiciones difíciles – y son precisamente estas mujeres trabajadoras las que se representan en esta obra.

El título hace referencia a la fábula de Esopo sobre la cigarra que canta y baila todo el verano, mientras las hormigas diligentemente recolectan provisiones para el invierno. Gauguin pudo haberla utilizado como marco para escenificar a las mujeres: las trabajadoras como hormigas, las que descansan como cigarras – pero todas como parte de una representación romantizada.

La nueva obra se puede experimentar en la exposición Gauguin y Kihara – Primeras impresiones.

La obra ha sido adquirida con el generoso apoyo de Aage y Johanne Louis-Hansens Fond, Augustinus Fonden y Ny Carlsbergfondet.