Bernhard Leitner

«Mis obras son instrumentos para crear y transformar el espacio mediante el sonido. Permiten y requieren determinados movimientos sonoros, una forma específica de definir el espacio. Así como se escriben diferentes piezas para un instrumento de sonido convencional, así se pueden crear diferentes programas espaciales y programas sonoros para cada instrumento SONIDO: ESPACIO». (Bernhard Leitner, Nueva York 1977)

Durante más de cinco décadas, Bernhard Leitner se ha dedicado a la idea de modelar y configurar el espacio escultóricamente con el sonido –su movimiento, frecuencia, timbre y volumen–. Ya en 1969, al trasladarse de Viena a Nueva York, donde viviría hasta 1982, plasmó sus primeras consideraciones teóricas sobre las esculturas sonoro-espaciales en dibujos y notas. Fue aquí donde el arquitecto de formación, cuyo pensamiento está influenciado tanto por la Nueva Música como por la danza clásica y contemporánea y las artes visuales, comenzó a concebir el sonido como material de construcción.

En su gran exposición individual SOUNDSPACESCULPTURE, Bernhard Leitner presenta una nueva obra de gran formato, que ha desarrollado para esta ocasión, en el contexto de algunas obras seleccionadas. La muestra ofrece así la oportunidad de adentrarse en la obra artística de Leitner y en sus preguntas de investigación más importantes, y de percibir sus arquitecturas sonoras escultóricas o dibujos espaciales sonoros no solo acústicamente, sino de forma holística y corporal. Como pionero del Sound Art, Leitner ha influido de manera duradera en las generaciones posteriores de artistas. Esta exposición abarca un amplio espectro, desde las primeras investigaciones teóricas en bocetos, fotografías y gráficos, pasando por obras significativas sobre la idea de la «audición corporal», hasta una nueva obra creada para la Secession – Cubo de agua / Ondas murales (2026). La idea subyacente de la obra se puede vincular al Cubo sonoro diseñado ya en 1969 –un modelo puramente teórico en aquel entonces de un cubo equipado con múltiples altavoces. Ya en estos primeros dibujos, Leitner esbozó posibilidades de organizar espacialmente el sonido. Muchas de las ideas formuladas entonces –líneas sonoras, horizontales y verticales, pendulares, que se curvan, movimientos sonoros guía– forman hasta hoy un vocabulario que el artista desarrolla continuamente.

En el Cubo de agua, sonidos de agua coreografiados con precisión atraviesan un sistema de altavoces fijado a mangueras de PVC dentro de un cubo espacial monumental. En esta composición sonora espacial de 48 canales, se dibujan líneas y ondas cortas y largas en el espacio con ritmos cambiantes. Con la forma geométrica del cubo, Leitner responde a la cuadrícula arquitectónica del espacio expositivo, que estructura por igual el suelo de terrazo, el techo de cristal y las puertas de casetones. Por encima del lucernario central, se instalan ocho altavoces a lo largo del borde, mediante los cuales se crea una superficie acústica horizontal homogénea, que a su vez es cortada por un eje sonoro vertical desde el techo de cristal hasta el suelo frente al Cubo de agua.

El Diván sonoro (composición sonora espacial de 1975, ejecución escultórica 2022) expuesto en la Secession traslada la audición directamente sobre y dentro del cuerpo en reposo, a través del cual viajan los sonidos de dos altavoces. Esta obra hace experimentar directamente que no escuchamos el sonido exclusivamente con el oído, sino con todo el cuerpo –aquí es el movimiento fluido entre una fuente sonora en la zona del pecho y otra en la zona del pie, un fenómeno que el artista denomina «audición corporal»–. En Silencio pulsante 2 (2026), tres conjuntos de dos placas metálicas colgadas en paralelo están equipadas cada una con un altavoz; de estas emanan frecuencias bajas (75-84-92 Hertz) que son inaudibles o apenas audibles desde el exterior, cuyas vibraciones ricas en graves generan vibraciones que se perciben como un espacio pulsante al atravesarlo. En Rayos sonoros (2026), los rayos sonoros que emanan del centro de las parábolas son desviados por placas metálicas (los reflectores) y finalmente son perceptibles como «imágenes acústicas» en las paredes donde no hay fuente de sonido. Leitner ha diseñado una intervención artística para el espacio del Friso de Beethoven (1902) de Gustav Klimt, que funciona de manera similar. Desde una parábola instalada aquí, cuatro rayos sonoros agudos se proyectan hacia el techo y hacia el espacio.

Para sus obras, Leitner recurre a una biblioteca de sonidos que ha crecido a lo largo de décadas. Esta incluye ruidos, lenguaje hablado y grabaciones de instrumentos acústicos, que son procesados digitalmente. Sus obras no buscan una observación distanciada, sino que exigen una presencia física. El sonido rodea el cuerpo tanto como lo penetra. Esto cuestiona fundamentalmente la familiar separación entre interior y exterior; la pregunta de dónde termina el cuerpo y dónde comienza el espacio permanece deliberadamente abierta. El arte de Leitner invita así a entender la arquitectura y la escultura no como una forma estática, sino como una estructura cambiante que se reforma con cada movimiento del cuerpo y cada evento sonoro. O como lo describe el artista en conversación con la curadora Jeanette Pacher:

«Cuando en 1972/73 hice las primeras investigaciones con el cuerpo, me quedó claro que es mucho más complejo cuando se habla de espacio acústico. Esto va mucho más allá del concepto físico del cálculo de una sala de conciertos. Es una experiencia elemental que tenemos constantemente, pero de la que no siempre somos conscientes. Ahí es donde empieza toda la enigmática y maravillosa complejidad del espacio y la acústica: cuando no se consideran solo físicamente, sino en toda su complejidad.»