Sztuka francuska 1870-1925

Na wystawie Sztuka francuska 1870-1925 prezentowane są arcydzieła i ukryte perły z własnej kolekcji Glyptoteki.

Odkryj wybór z prestiżowej kolekcji dzieł Paula Gauguina w Glyptotece. Lub zanurz się w wielu innych kluczowych dziełach niektórych z najważniejszych artystów tego okresu, takich jak Paul Cézanne, Edgar Degas, Vincent van Gogh, Claude Monet i Berthe Morisot.

Poprzez głównie malarstwo olejne, ale także pastele i mniejsze rzeźby w marmurze, brązie i ceramice, wystawa kreśli nasyconą opowieść o sztuce tego okresu, bogatą w różnorodność, intensywność i pomysłowość.

W 1874 roku grupa paryskich artystów postanowiła wspólnie wystawić swoje dzieła w proteście przeciwko odrzuceniu przez oficjalne miejsce wystawowe, Salon.

Grupa została później nazwana „impresjonistami” i składała się z artystów takich jak Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro i Pierre-Auguste Renoir.

Razem reprezentowali zupełnie nowe malarstwo, w którym światło i kolor stały się elementami nośnymi. Często pracowali w plenerze, co dawało im najlepsze możliwości obserwowania ulotnego światła, koloru i ruchu chwili, czy to krajobrazu, czy tętniącego życiem miasta, które miało zostać odtworzone.

Styl charakteryzował się wibrującymi, niezmiešanymi pigmentami kolorów w grubych warstwach i niekonwencjonalnymi kadrami.

W latach 80. i 90. XIX wieku w Europie powstał chaos kierunków artystycznych w dialogu z impresjonistami i w opozycji do nich.

Malarstwo nie miało już być lustrzanym odbiciem widzianego świata i jego zjawisk. Miało stać się samodzielną formą sztuki z własnymi i szczególnymi możliwościami wyrazu. Edgar Degas – a później Paul Gauguin – dążył do tego, by sztuka była czymś więcej niż tylko odwzorowaniem zaobserwowanego.

Ekspresyjne użycie kolorów i farb olejnych przez Vincenta van Gogha sprawiło, że malarstwo stało się dramatyczne do granic możliwości, podczas gdy Paul Cézanne podszedł do dzieła bardziej intelektualnie i zakwestionował płaszczyznę i objętość malarstwa. Pierre Bonnard malował intymne sceny wnętrz z odważnymi kadrami, podczas gdy Henri de Toulouse-Lautrec i Pablo Picasso portretowali nowoczesne życie wielkiego miasta.

Malarstwo europejskie obrało wiele nowych kierunków i spotkało się z uznaniem szybko zmieniającego się rynku sztuki, gdzie konserwatywne forum wystawiennicze Salon w Paryżu nie miało już monopolu na rynek ani na dobry gust.

Po śmierci Edgara Degasa w jego pracowni znaleziono ponad 150 figur woskowych. Z wyjątkiem rzeźby Mała tancerka, 14 lat, figurki te nigdy nie były przeznaczone jako dzieła sztuki. Były to raczej ćwiczenia, których Degas używał do studiowania ruchu, równowagi i proporcji ciała.

72 z tych figurek zostało odlanych w brązie przez spadkobierców artysty, a Glyptoteka jest jednym z niewielu muzeów na świecie, które posiadają kompletną kolekcję.

Na wystawie można zobaczyć wybór baletnic Degasa utrzymujących równowagę, kobiet przy toalecie i koni w galopie lub w spoczynku.

Od 1949 roku rzeźba Edgara Degasa Mała tancerka, 14 lat jest częścią francuskiej kolekcji Glyptoteki. Rzeźba pierwotnie została wykonana z malowanego wosku i wystawiona z tiulową spódniczką wokół talii, prawdziwymi ludzkimi włosami, jedwabnymi wstążkami, butami z lnu i bawełnianym gorsem. Dopiero po śmierci Degasa została odlana w brązie.

Do niedawna tancerka miała na sobie starą, wyblakłą spódniczkę, która z czasem stała się tak krucha, że trzeba było ją wymienić. Na świecie istnieje 25 wersji tancerki, a porównując spódniczki, są one bardzo różne.

Muzeum postanowiło zrekonstruować swoją wersję spódniczki w oparciu o istniejącą wiedzę na temat jej wyglądu, gdy Degas wystawiał ją na szóstej wystawie impresjonistów w 1881 roku.

Na wystawie można zobaczyć nową spódniczkę tancerki i z bliska przyjrzeć się procesowi konserwacji oraz badaniom, które za nim stoją.

Glyptoteka wzbogaciła swoją kolekcję Gauguina o rzadkie dzieło: ręcznie kolorowaną litografię, z której istnieją tylko dwa egzemplarze na świecie. Jest to pierwsze graficzne dzieło francuskiego artysty w muzeum. Za motywem – pracującymi czarnymi kobietami na Martynice – kryje się historia francuskiego panowania kolonialnego i romantyzujące spojrzenie na warunki epoki kolonialnej.

Poprzez nabycie dzieła Koniki polne i mrówki – wspomnienie z Martyniki (1889) Glyptoteka otwiera nowy rozdział w swojej kolekcji Gauguina, która jest jedną z najważniejszych na świecie. Kolekcja do tej pory składała się z prawie 60 dzieł podzielonych na obrazy, ceramikę, rzeźby w drewnie i rysunki, ale nie grafiki. Nowe dzieło reprezentuje zatem mniej znaną stronę twórczości Paula Gauguina (1848-1903).

Dzieło jest odbitką próbną z pierwszej i jedynej serii graficznej Gauguina, Volpini Suite. Seria ta stanowi punkt zwrotny w karierze artysty, w którym rozwija on swój charakterystyczny styl: bezcieniowy, dekoracyjny, z odważnymi cięciami i wyraźnymi konturami. Dzieło jest ważne dla prezentacji i popularyzacji sztuki Gauguina w Glyptotece i pokazuje szeroki zakres twórczości artysty. Będzie również punktem wyjścia do nowych badań nad artystą i epoką.

Zidealizowany kolonializm Koniki polne i mrówki – wspomnienie z Martyniki zostało stworzone pod wpływem pobytu Gauguina na byłej francuskiej kolonii Martynice w 1887 roku, gdzie pracował jako nadzorca na plantacji owoców. Chociaż niewolnictwo zostało zniesione, wielu miejscowych nadal pracowało w trudnych warunkach – i właśnie te pracujące kobiety są przedstawione w tym dziele.

Tytuł nawiązuje do bajki Ezopa o koniku polnym, który śpiewa i tańczy całe lato, podczas gdy mrówki pilnie zbierają zapasy na zimę. Gauguin mógł jej użyć jako ram dla inscenizacji kobiet: pracujące jako mrówki, odpoczywające jako koniki polne – ale wszystkie jako część romantycznej wizji.

Nowe dzieło można zobaczyć na wystawie Gauguin i Kihara – Pierwsze wrażenia.

Dzieło zostało nabyte dzięki hojnemu wsparciu Aage i Johanne Louis-Hansens Fond, Augustinus Fonden oraz Ny Carlsbergfondet.