Memory of Touch: Kapitel II

Memory of Touch (Paměť dotyku), eine Ausstellung, die sich in zwei Kapiteln entfaltet, präsentiert die erste umfassendere Vorstellung der Kunstsammlung der Kunsthalle Praha. Anstatt die Sammlung als eine fest umrissene und geschlossene Einheit zu verstehen, stellt sie historische, Nachkriegs- und zeitgenössische Werke im Dialog mit eingeladenen tschechischen Künstlern und Künstlerinnen nebeneinander, deren Ideen und Ansichten die Sammlung nach außen öffnen und neue Resonanzen entstehen lassen.

Memory of Touch findet in einer Zeit statt, die Kontrolle, Sicherheit, Konflikte und makellose Oberflächen belohnt – in einer Kulturlandschaft, die Effizienz und Sichtbarkeit feiert, während sie das Ungeschützte, Unsichere und Unvollkommene verbirgt. Gegen diese Imperative bietet die Ausstellung einen stillen Gegenpol: Sie lenkt unsere Aufmerksamkeit auf Zerbrechlichkeit und Verletzlichkeit, nicht als Mängel, sondern als Ausdruck von Widerstandsfähigkeit. Offen zu sein und durchlässig zu bleiben angesichts des Risikos ist keine Schwäche, sondern eine bewusste Form der Präsenz und des Handelns. Aus dieser Sensibilität treten wir in die Sammlung nicht als lineare Chronologie ein, sondern als eine Konstellation von Momenten, Eindrücken und Echos.

Die Sammlung der Kunsthalle Praha erscheint hier nicht als Kommentar zur Geschichte, sondern als unterschwelliger Strom – leise, beharrlich und formgebend. Sie stellt Werke nicht als Subjekte, sondern als Atmosphären nebeneinander. Nicht als Lektionen, sondern als Impulse, die fragen, was die Vergangenheit in uns weckt, wie sie in der Erinnerung fortbesteht und wie sie die Gegenwart weiterhin prägt. Von hier aus wendet sich die Ausstellung eingeladenen zeitgenössischen Künstlern und Künstlerinnen zu – einer Generation, die durch den Übergang nicht von einer stabilen Welt in eine andere geprägt wurde, sondern durch eine Landschaft variabler Systeme, verschwindender Sicherheiten und fragiler Formen der Zugehörigkeit. Nicht denen, die die Formen der Vergangenheit wiederholen, sondern denen, die ihre emotionalen Register geerbt haben: Wachsamkeit, Bruch und die Notwendigkeit des stillen Verharrens.

Durch die Vermischung der Sammlung und der eingeladenen Künstler und Künstlerinnen entstehen verschiedene Dialoge – zwischen Intimität und Distanz, Unbehagen und Vergnügen, Materiellem und Ephemerem. Diese Spannungen etablieren Zerbrechlichkeit als Methode, nicht als Thema, während sich die Ausstellung strukturiert in zwei komplementären Kapiteln entfaltet: Das erste untersucht sie als eine Form des Widerstands, das zweite als eine gelebte Bedingung und Präsenz. Gemeinsam bilden sie eine Bewegung, die ästhetische, historische und affektive Ideen miteinander verbindet. Über Generationen hinweg zerschlagen Künstler und Künstlerinnen die Form, arbeiten mit instabilen Materialien und stören Konzepte, um eine Haltung zu wecken, die Welten widerspiegelt, die von Brüchen geprägt sind – von avantgardistischen Experimenten und Nachkriegswerken, die von Zensur geformt wurden, bis hin zu zeitgenössischen Praktiken, die auf ökologische, soziale und emotionale Prekarität reagieren. Diese vielschichtigen Dialoge stellen ein breites Spektrum an Medien, Malerei, Zeichnung, Installation, Skulptur, Fotografie und Video in einen bewussten Kontext und erwecken die Vergangenheit in den Dringlichkeiten der Gegenwart zum Leben. Und bestätigen so die Zerbrechlichkeit als eine lebendige Sprache unserer Zeit: zart und doch widerstandsfähig, unsicher und doch fruchtbar.

Den Besucherinnen steht während der Ausstellung ein Audioguide zur Verfügung, der in Zusammenarbeit zwischen der Kunsthalle Praha und der Plattform Cabinet of Wonders entstanden ist.*.

KAPITEL I

KAPITEL II

Das zweite Kapitel beleuchtet Zerbrechlichkeit als gelebte und soziale Bedingung – eine Art der Präsenz, die durch Exposition, Sensibilität und Durchlässigkeit des Seins in der Welt geformt wird. Es wird untersucht, wie Künstler und Künstlerinnen aus verschiedenen Epochen Zärtlichkeit und Verletzlichkeit sichtbar gemacht haben, nicht als Zeichen von Schwäche, sondern als bewusste Gesten der Stärke und Selbstverankerung in der Gesellschaft. Dieser Dialog verbindet frühe Avantgarde-Werke, in denen sich die Unsicherheit des Krieges und der Gründungsprozess der jungen Republik durch expressive Spannung und offene emotionale Geste manifestieren; Nachkriegswerke, die während der Normalisierung und Überwachung entstanden, wo Zerbrechlichkeit in der Stille, den Pausen und dem bloßen Fakt des Daseins, aber auch in Akten stiller Widerstandsfähigkeit und zeitgenössischer Praktiken auftaucht, die emotionale Transparenz, unfertige Formen und enthüllte Gesten annehmen, um Trauer, Fürsorge, prekäre Körper, Intimität und Ausdauer in der heutigen gespaltenen Gesellschaftslandschaft zu benennen.

Die Präsenz jüngerer Künstler und Künstlerinnen beleuchtet Zerbrechlichkeit als eine zeitgenössische Form des Widerstands, die durch Ephemerität, Mehrdeutigkeit und die Ablehnung des Spektakels verwirklicht wird. Ihr Werk resonniert mit früheren Generationen nicht durch Zitate, sondern durch die Aufrechterhaltung eines Ethos der Offenheit angesichts gesellschaftlichen Drucks.

Der intimere und kontemplativere Ton dieses Kapitels entfaltet sich als eine Abfolge von Begegnungen, leise, verletzlich, manchmal roh, in denen Zerbrechlichkeit nicht nur zu einer ästhetischen Strategie, sondern zu einer gelebten, verkörperten und sozial eingeschriebenen Art des Seins wird.